(English translation below)

Ein Schreiben wie im Flug für die Flugschrift des Fahrenden Raums, denn die Zeit ist begrenzt. Und dennoch muss ich nicht unbedingt das Tempo erhöhen oder eine Grenze in die Möglichkeiten eines Textes einziehen. Im Zeichen des Vagabundierens (dieser Ausgabe) macht es schließlich keinen Unterschied, ob ich mehrfach Vor- und Zurück-Formuliere, den Entwurf tagelang liegenlasse, eine neue Recherche anfange oder mich dem überlasse, was längst in der Nähe liegt. Eine für die Diskussion im Vorfeld des Aktionstags wichtige Referenz war der Text „work to rule. a call for strike action in the arts“.¹ Darin hat Rosalie Schweiker sich selbst ein Zeitfenster von zwei Stunden gesetzt um sich für ihren Workshop an einer Kunsthochschule vorzubereiten: „Because it’s all so confusing and arbitrary anyway, I’ve just decided that [my fee] equals 2 hours of my time. […] When the timer beeps I will stop working on this text. No matter where I am, no matter if it’s good or bad. I will keep in all the typos and grammar errors, I will not ask my partner to edit and proofread it for me, I will not ask my designer friend to typeset it properly in exchange for buying her lunch.“ Schweiker schlägt vor, längere oder kürzere Dienst-nach-Vorschrift-Phasen für Kulturarbeiter*innen auszurufen – was einer Art Streik gleichkäme, wenn unbezahlte Arbeit hier die Regel ist. „Maybe we need to just stop. What would happen if we all had a lie-in? Just stop. Sit down. […] making bad art, because there isn’t enough money to do good art. making good art, because you stopped pretending there is enough money.“ Wie wir unsere Zeit verbringen wollen und können, ist nicht nur eine Frage des Budgets, aber vielleicht gibt es einen produktiven Spielraum in der Entscheidung, ob wir die Löcher im Budget tatsächlich mit mehr Arbeitseinsatz stopfen wollen.

Phasenweise nicht produktiv – Performance und Vermittlung war zunächst ein Arbeitstitel für das gemeinsam mit Maximiliane Baumgartner an der Akademie der bildenden Künste München realisierte Seminar und den Aktionsraum im Fahrenden Raum: gleichsam als Slogan vorausgeschickt oder als eine Art Partitur und begriffliche Setzung für uns selbst, deren inhaltliche Implikationen sich jedoch erst in der Zusammenarbeit mit anderen zeigen und in Bewegung setzen sollten. Unser Vorschlag war, den Blick auf das Verhältnis von Performance als künstlerischer Form und der Vermittlung selbst als performativem Akt zu richten, in deren gegenseitigen Spiegelung und Differenz: der Auftritt vor einer Gruppe von Personen, die Adressierung von unterschiedlichen Erwartungen und Vorrausetzungen, die physische Präsenz und damit verbundene Anforderungen wie Aufmerksamkeit oder Performance-Skills, die Bedeutung von Improvisation und Vorbereitung, Skript und Curriculum, Spiel und Regeln, Theorie und Praxis. Welche sozialen, räumlichen oder institutionell bedingten Hierarchien und unhinterfragten Standards zeigen sich jeweils darin? Der Begriff der Produktivität ist dabei eine Art Gradmesser von verschiedenen Vorstellungen der beiden Arbeitsfelder: wann Vermittlungsprozesse für wen kontraproduktiv werden, aber auch, wie nicht-produktive Phasen bewusst zugelassen oder das Herausfallen aus allzu effizienten Abläufen provoziert werden können. Denn die Aktion, das Spiel und die Bilder, die der eigene Körper mit sich bringt, können auf fragile und sensible Konstellationen hinweisen ebenso wie auf Möglichkeiten, sich Räume mit performativen Gesten zu erschließen.

„Phasenweise nicht produktiv“ ist dann abwechselnd und je nach Kontext von den Teilnehmenden als künstlerische Übung, Zustandsbeschreibung, optimistische Prognose oder negative Diagnose und in dessen Ambivalenz als ebenso widerständige wie neoliberale Metaphorik immer wieder neu angeeignet und kritisch umgedeutet worden. Denn angesichts der Produktivität, die ein Seminar und die Organisation einer daran anschließenden Veranstaltung zwangsläufig auslöst, ist eine wortwörtliche Übersetzung in untätiges Zusammensein, slackerhaftes Umherdriften oder provisorische Strukturen dann nur in wenigen Momenten als eigene Form – und als Qualität – erkennbar geworden. Sind Theaterübungen auf der Wiese des Fahrenden Raums im Sommer zwar angenehmer, aber weniger einprägsam als in den Räumen der Akademie, wo der Widerstand für uns, sich in ungewohnter Weise zu bewegen, größer ist? Werden die Grenzen von Planbarkeit, Teilhabe und Konsistenz innerhalb des institutionellen Rahmens eher als Problem denn als gemeinsames Experiment empfunden als das in einem selbstorganisierten Raum der Fall wäre? Carmen Mörsch schreibt in „Störungen haben Vorrang“ zur Reflektion von Projekten im Bereich der kulturellen Bildung: „Bevor also ‚Partizipation’ als Qualitätsmerkmal naturalisiert wird, wäre zu diskutieren, was damit im jeweiligen Kontext gemeint ist und welcher Weg jeweils zu den angestrebten Weisen der Partizipation führen könnte.“ Und „wann ist eine Störung einfach nervtötend, weil sie die tausendste Wiederaufführung gegenseitiger Voreingenommenheiten zwischen ‚Kunst’ und ‚Schule’ ist, und wann ist sie produktiv im Sinne des Projekts?“²

Wie lange etwas braucht, ob ich es gerne mache und welchen Wert es für mich und andere hat, sind offensichtlich wesentliche aber wenig kontrollierbare Variablen. Und häufig sind sie nicht einmal Ausdruck subjektiver Entscheidungsprozesse oder der richtigen Planung, sondern zum Beispiel von von gesellschaftlichen Rollenverteilung. (Je planbarer das Studium nach der Modularisierung geworden ist, desto weniger scheint sich bei Studierenden das Gefühl einzustellen, angemessen viel oder wenig Zeit in die einzelnen Bereiche investieren zu können. Und paradoxerweise fehlt zugleich die Vision, es sich leisten zu können, Zeit zu verschwenden.) Sich in einer Gegenbewegung selbst einen Rahmen zu setzen³ – wie der 2-Stunden-Text von Rosalie Schweiker oder Jonas Beutlhauser mit dem Einsatz von Hühnern als Score⁴ bei seiner pädagogischen Arbeit im Fahrenden Raum – verschiebt nicht nur die Erwartungen an bestimmte Ergebnisse. Es kann auch heißen, auf diese Weise ökonomischen, zeitlichen, emotionalen oder körperlichen Bedingungen und Bedürfnissen, die längst da sind, eine erfahrbare Form zu geben – oder im Gegenteil, bestehende Formen in ihren festen Konturen aufzulösen. Denn deren performative Überzeichnung in der Ausführung von Partituren und anderen Versuchsanordnungen (ob in künstlerischen und pädagogischen Zusammenhängen) macht die häufig absurden Konsequenzen von Arbeitsbedingungen und das Ausblenden von Bedürfnissen deutlich.

* Phasenweise nicht produktiv – Ein Aktionstag zu Performance und Vermittlung war eine Veranstaltung am 30.11. und 01.12.2018 an der Akademie der Bildenden Künste München, Studiengang Kunstpädagogik, in Kooperation mit Der Fahrende Raum. In einer beweglichen Rauminstallation mit Architekturfragmenten des Fahrenden Raums hat der Aktionstag Personen, Gespräche, Recherchen, Auftritte und Objekte versammelt. Sie haben erzählt von radikaler Raumwahrnehmung, Cyborgs und Female Technologies, von Versuchsanordnungen und Archiven, die sich nicht ästhetisieren lassen, von Abweichungen des Offiziellen, der Kritik an und den Alternativen zu institutionalisierten Lehrformen und einem imaginierten Publikum.

Mit Clara Laila Abid Alsstar, Maximiliane Baumgartner, Jonas Beutlhauser, Martin Bogisch, Vera Brosch, Eva Burkhardt, Luca Daberto, Lukas Eberl, Eva Egermann, Tabea Färber, Florian Gass & Mirja Reuter, Jonathan Göhler, Anna Greckl, Gerd Grüneisl, Simon Vera Harder, Henriette Heise & Frederik Worm, Sophia Köhler, Doris Koopmann, Stephan Janitzky & Laura Ziegler, Ashley Lamm, Justin Lieberman, Antonia Lippert, Franziska Lütke, Karolin Meunier, Corinna Rausch, Romy Rüegger, Johanna Schaffer, Anna-Lena Steinbach, Pauline Stroux und Julian Warner.

Literatur

1 Schweiker, Rosalie (2016): „work to rule. a call for strike action in the arts“, in: Let’s Mobilize. What’s Feminist Pedagogy? Workbook, Hg. von Valand Academy, University of Gothenburg, Sweden. http://whatisfeministpedagogy.tumblr.com/workbook
2 Mörsch, Carmen (2015): „Störungen haben Vorrang. Metareflexivität als Arbeitsprinzip für die künstlerisch-edukative Arbeit in Schulen“, in: Mission Kulturagenten – Onlinepublikation des Modell-programms „Kulturagenten für kreative Schulen 2011-2015“, Berlin. http://publikation.kulturagenten-programm.de
3 Über den Einfluss von zeitgenössischen Management-Strategien auf unser Verständnis von guten „Performances“ und produktiven Phasen, auf den ich hier nicht weiter eingehe, siehe auch: „Performance Evaluation“, Texte zur Kunst, Heft 110, Juni 2018.
4 „Die Hühner waren für mich eine Art Score, eine Art Produktivität jenseits von Kategorien wie pädagogisch wertvoll/produktiv und pädagogisch unerwünscht. Einerseits also eingeplanter Kontrollverlust für mich selbst und mein Konzept, andererseits dann wiederum sehr hilfreich, da die extrem lebhaften Kinder immer, wenn die Konzentration flöten ging, die Hühner besuchen konnten.“ (Jonas Beutlhauser zu seinem Poster für den Aktionstag)

ENGLISH TRANSLATION

Periods of non-productivity*
Karolin Meunier

Writing on the fly for the pamphlet of Der Fahrende Raum – because time is of the essence. And yet I mustn’t increase the tempo or place limits upon the potential of a text. Under the topic of vagabonding (in this issue) it makes no difference whether I go back and forth on the formulations, let the draft breathe for days, take up new research or instead turn to what’s already close-by. An important reference for the discussion in the run-up to the action day was the text „work to rule. a call for strike action in the arts.” In it Rosalie Schweiker sets herself a time limit of two hours in which to write a text that was to be used as material for a workshop at an art academy: “Because it‘s all so confusing and arbitrary anyway, I‘ve just decided that [my fee] equals 2 hours of my time… When the timer beeps I will stop working on this text. No matter where I am, no matter if it‘s good or bad. I will keep in all the typos and grammar errors, I will not ask my partner to edit and proofread it for me, I will not ask my designer friend to typeset it properly in exchange for buying her lunch.”¹ Schweiker suggests declaring somewhat longer or shorter periods of work-to-rule for cultural workers – sort of like going on strike but in professions where unpaid work is the rule. “Maybe we need to just stop. What would happen if we all had a lie-in? Just stop. Sit down. […] making bad art, because there isn‘t enough money to do good art. making good art, because you stopped pretending there is enough money.” How we want and are able to spend our time is not only a question of budget, but perhaps there is some productive leeway in deciding whether we really want to plug the holes in the budget with more work effort.

Periods of Non-Productivity – Performance and Education – was the initial working title for the seminar that was put on together with Maximiliane Baumgartner at the Academy of Fine Arts as well as for the summer program at Der Fahrende Raum. It can be understood as a preliminary slogan, or as our own sort of score and conceptual plan. Its implications, however, only become clear and should only be set into motion in collaboration with others. Our suggestion was to direct the gaze towards the relationship between performance as an artistic form and education itself, or mediation in general, as a performative act, both in its mutual reflection and in its disparity: appearing before a group of people, addressing different expectations and preconditions, physical presence, as well as associated requirements like attention or performance skills, the meaning of improvisation and preparation, script and curriculum, game and rules, theory and practice – which social, spatial or institutional hierarchies, which unexamined standards are reflected therein? The concept productivity thus becomes a sort of indicator for different ideas in both work fields: When do educational processes become counterproductive and for whom, but also how can non-productive periods be consciously allowed or how can the break-up of all-too efficient routines be provoked. The action, the game and the images integral to one’s own body may suggest fragile and sensitive configurations as well as opportunities to open up spaces with performative gestures.

Thus the concept “periods of non-productivity,” depending on its context, has been constantly re-appropriated and reinterpreted by participants as either an artistic practice, a description of a state, an optimistic prognosis or a negative diagnosis and, in its ambivalence, as an imagery just as oppositional as it is neoliberal. Considering the productivity necessitated by a seminar as well as the organization of an event, there are only a few moments in which a literal translation of the concept – as inactive gathering, slackeresque drifting or provisional structuring – is recognizable as its own form, and as a quality. Are theatre exercises in summer on the lawn of Der Fahrende Raum in fact more pleasant but less impactful than in the rooms of the academy, where resistance to moving oneself in unusual ways is greater? Are the limits of planability, participation and consistency perceived as a sort of problem rather than as a common experiment when they take place within an institutional framework as opposed to a self-organized project space? Carmen Mörsch writes in “Disturbances Have Priority,” regarding evaluating projects in cultural education: “Thus before ‘participation’ as a mark of quality is neutralized, it is necessary to discuss what is meant by it in each context and which path could lead to the forms of participation sought.” And “when is a disturbance simply exasperating because it represents the thousandth re-enactment of the mutual prejudice between ‘art’ and ‘school,’ and when is it productive in light of the purpose of the project?”²

How long something takes, whether I like to do it and what value it has for me as well as for others are variables that are obviously important but difficult to control for. And often they are not even the result of subjective decision-making processes or of real planning but, for example, by the distribution of roles in society. (The more planable the study becomes, after modularization, the less students seem to develop the feeling that they can invest an appropriately large or small amount of time in the individual areas. And paradoxically, the vision of being able to afford to waste time is also lost.) To create a framework for yourself as a sort of countermove³ – like Rosalie Schweiker with her two-hour text or Jonas Beutlhauser by deploying chickens as a “score”⁴ in his pedagogical work in Der Fahrende Raum – does not just shift the expectations toward the result. It can also mean giving an experienceable form to already present economical, temporal, emotional or physical conditions and needs, or, on the contrary, dissolving existing forms in their fixed contours. Their performative exaggeration in the execution of scores and other experimental arrangements (whether in artistic or pedagogical contexts) makes obvious the often absurd consequences of working conditions and the ignorance of needs.

* Periods of Non-Productivity – Performance and Education was an event on 30 November and 1 December 2018 at the Academy of Fine Arts Munich, art pedagogy department, in cooperation with Der Fahrende Raum. In a mobile spatial installation, using architectural fragments of Der Fahrende Raum, the action day brought together people, conversations, research, performances and objects. They spoke about radical perception of space, cyborgs and female technologies, experimental arrangements and archives that can not be aestheticized, deviations from officialdom, critique of and alternatives to institutionalized forms of teaching and an imaginary audience.

With Clara Laila Abid Alsstar, Maximiliane Baumgartner, Jonas Beutlhauser, Martin Bogisch, Vera Brosch, Eva Burkhardt, Luca Daberto, Lukas Eberl, Eva Egermann, Tabea Färber, Florian Gass & Mirja Reuter, Jonathan Göhler, Anna Greckl, Gerd Grüneisl, Simon Vera Harder, Henriette Heise & Frederik Worm, Sophia Köhler, Doris Koopmann, Stephan Janitzky & Laura Ziegler, Ashley Lamm, Justin Lieberman, Antonia Lippert, Franziska Lütke, Karolin Meunier, Corinna Rausch, Romy Rüegger, Johanna Schaffer, Anna-Lena Steinbach, Pauline Stroux and Julian Warner.